Jessica Stockholder explora la pintura en obras de la Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo

En numerosas ocasiones se ha declarado el “final” de la pintura, y tantas otras se ha documentado su “renacimiento” con el fin de investigar sus límites y posibilidades contemporáneas. A partir del 11 de febrero, la OGR (Officine Grandi Riparazioni) presenta ‘Cut a rug a round square’, un nuevo proyecto desarrollado específicamente para el antiguo complejo industrial de la OGR en Turín por la artista estadounidense Jessica Stockholder.

Considerada una de las artistas más influyentes del panorama actual, Jessica Stockholder ha desempeñado en los últimos veinte años un papel fundamental en el continuo debate sobre la pintura y sus límites. La artista ha ampliado el concepto de pintura mediante un diálogo incesante entre diferentes medios, entre forma y espacio, expandiendo los límites de la pintura hacia la dimensión escultórica y las instalaciones artísticas.

En su obra, la artista combina objetos aparentemente dispares y ordinarios para crear instalaciones complejas en las que se apilan y estratifican materiales y colores: bolsas y recipientes de plástico, telas, cables, trastos viejos, alfombras y muebles. En sus manos, estos objetos con frecuencia olvidados recuperan cualidades formales y estéticas, en una práctica que recuerda al expresionismo abstracto, el Color Field (pintura de campos de color) y el minimalismo.

Para el proyecto instalado en Binario 1 de la OGR Cult, la zona de la OGR dedicada al arte y la cultura, la artista Jessica Stockholder ha creado una magnífica instalación tras haber seleccionado obras de dos importantes colecciones: la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo y la de la Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT, ̶  una colección cuyas obras están en préstamo permanente en la GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea y el Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea de Turín.

Para plantear el proyecto, la artista ha desarrollado un concepto riguroso y poético a la vez: “Estoy investigando cómo la geometría generalmente rectilínea inherente al contorno, o borde, de las pinturas genera significado tanto dentro como fuera de ellas”, explica Jessica Stockholder. “Respecto a su exposición y a sus mecanismos internos, las pinturas emplean la geometría y su repercusión en la escala y la forma del cuerpo humano. […] Al examinar las colecciones, me sorprendió ver tantas obras en las que el círculo y el cuadrado se intersecan. A menudo, estas obras contienen literalmente círculos y cuadrados. Comencé a pensar en la representación del cuerpo humano como una especie de círculo inscrito en un cuadrado, como en el Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci. Las propias pinturas suelen caracterizarse por una geometría rectilínea. Lo que sucede en el interior del lienzo presiona contra los bordes. Los bordes son tanto literales como abstractos y están definidos por el final del soporte material, pero el rectángulo, que se identifica como un mapa, se comprende en virtud de la abstracción”.

Mediante la combinación de obras de diferentes orígenes y producciones, la artista investiga las maneras de pintar y sus definiciones categóricas a través de los límites del género y estudia sus márgenes literales y metafóricos.

En la exposición, se pueden ver obras como ‘Directions’, de Vito Acconci, una fotografía que documenta la agotadora performance de un hombre con sus brazos y piernas extendidos que recuerda al Hombre de Vitruvio, y ‘Combustion’, de Aurelio Amendola, cuyas instantáneas retratan a Alberto Burri en el acto de fundir plástico con una linterna para crear un círculo en un cuadrado. También piezas que van desde ‘Bonded Eternmale’, instalación de Monica Bonvicini que consta de dos sillas cubiertas de cuero negro tachonado sobre una alfombra circular roja, hasta ‘A removal of the corner of a rug in use’, de Lawrence Weiner, en la que palabras escritas sobresalen de la superficie de la pared como lo hace la pintura en su lienzo. Desde ‘9 to 5’, de Edward Ruscha, que pintó el ciclo de tiempo de una jornada laboral atrapado dentro de un rectángulo claustrofóbico, hasta ‘Undercurrent (Red)’, de Mona Hatoum, en la que la superficie del suelo actúa como un plano pictórico para una gran alfombra de cables eléctricos. También se puede ver la imponente escultura de Rachel Harrison ‘Kouros Descends Stairs’ en su primera vez que se expone al público, tras ser adquirida en 2019 para formar parte dela Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo. También se exhiben obras de Robert Mangold, Pedro G. Romero, Guillermo Pérez Villalta, Marlene Dumas, Richard Tuttle, Tracey Emin, Diego Perrone y la propia Jessica Stockholder, entre otros, en una exposición diseñada especialmente por la artista.

Así, Stockholder ha logrado transformar toda la muestra en su conjunto en una obra de arte en sí misma, una gran instalación ambiental que evoca de manera vivencial el choque entre el círculo y el cuadrado como una imagen del choque productivo entre racionalidad e imaginación, orden y superabundancia, cuerpo e idea. La exposición se centra en el tema de la pintura, esencial en ambas colecciones y representadas en los dos casos con un rico patrimonio de obras.’ Cut a rug a round square’ redefine los límites de esta disciplina y teje un discurso que bebe de las formas y colores de la pintura, aspectos clave para leer el mundo contemporáneo.

Jessica Stockholder (1959, Seattle, Washington), que en la actualidad vive y trabaja en Chicago (Illinois), ha expuesto en numerosos museos y galerías de todo el mundo. Sus obras pueden encontrarse en colecciones permanentes de muchos museos, como el Whitney Museum of Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago, el MoCA de Los Ángeles, el MoMA de San Francisco, el Museum of Fine Arts de Boston, el British Museum de Londres y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Algunas de sus exposiciones individuales más recientes son Stuff Matters, en el Centraal Museum de Utrecht, y Relational Aesthetics, en The Contemporary Austin de Austin, ambas de 2019.

En 1995, la Fundación “la Caixa” dedicó una exposición especial a Jessica Stockholder bajo el evocador título ‘Sweet for three Oranges’, en la Sala Montcada de Barcelona. La artista Jessica Stockholder forma parte de la Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo a través de su instalación de gran formato ‘Air Padded Table Haunches’ (2005). Precisamente esta pieza, formada por elementos tan diversos como lámparas bancos, fluorescentes, alfombras, y mesas, formó parte de la exposición ‘La pintura. Un reto permanente’ que, en 2019, visitó los centros CaixaForum de Madrid y Barcelona.

Esta exposición, comisariada por la jefa de las colecciones de Arte de la Fundación “la Caixa”, Nimfa Bisbe, se convirtió en origen de la colaboración para llevar a cabo la muestra que este jueves abrirá sus puertas en Turín.

La OGR de Turín finalmente vuelve abrir al público las puertas del Binario 1 con una amplia exposición que combina obras de la de la Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT con piezas de la prestigiosa Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo fusionándolas en un diálogo constituido por relaciones e interconexiones.

Es una oportunidad excelente para que el público pueda admirar, con total seguridad y de forma gratuita, en las salas de la OGR, un tesoro conservado por los museos de la ciudad de Turín y enriquecido a lo largo de los años por la Fondazione CRT, ahora bajo el prisma de una artista que muestra una novedosa interpretación junto a las obras de una importante colección internacional como es la de la Fundación “la Caixa”.

La Colección “la Caixa” de Arte Contemporáneo reúne más de un millar de obras desde su creación en 1985. Con una clara vocación internacional, busca la representación de todas las prácticas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta la fotografía o el videoarte. Uno de sus objetivos pasa por conectar el arte español con las tendencias internacionales y constituye un valioso fondo que permite difundir el arte contemporáneo y fomentar su conocimiento y estudio.

Joseph Beuys, Antoni Tàpies, Gerhard Richter, Bruce Nauman o Juan Muñoz son algunos de los nombres de la colección, que siempre ha pretendido mostrar la diversidad de discursos visuales y conceptuales del arte contemporáneo.